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Apportez un mouchoir… la reine est de retour pour un ding-dong avec Maggie : PATRICK MARMION commente

Sac à main (Kiln Theatre, Londres)

Évaluation: ***

Verdict : la reine de tous ses sondages

Venant au milieu de notre deuil national, la soirée de presse de la reprise de cette comédie satirique – sur les 11 ans d’audience au palais de Buckingham entre la reine et Margaret Thatcher – a commencé par des excuses douloureusement maladroites.

Le cœur manifestement dans la bouche, de peur qu’elle ne soit pendue, tirée et écartelée pour avoir semblé ricaner à notre défunt monarque, la directrice artistique du four, Indhu Rubasingham, nous a nerveusement assuré qu’elle et ses collègues avaient réfléchi à l’opportunité ou non d’aller de l’avant avec La pièce de Moira Buffini.

Elle a expliqué que le spectacle avait été planifié un an avant son ouverture, pour coïncider avec le jubilé de platine. Ils ne pouvaient pas savoir ce qui allait arriver.

Venue en plein deuil national, la soirée presse de la reprise de cette comédie satirique a commencé par des excuses

Apportez un mouchoir… la reine est de retour pour un ding-dong avec Maggie : PATRICK MARMION commente

La pièce se concentre sur les 11 années d’audience au palais de Buckingham entre la reine et Margaret Thatcher

Apportez un mouchoir… la reine est de retour pour un ding-dong avec Maggie : PATRICK MARMION commente

Maggie et la reine sont jouées simultanément par des versions plus âgées et plus jeunes d’elles-mêmes, qui interrompent librement les pensées de l’autre

Et lors d’une rare flambée de royalisme dans l’ancien bastion républicain irlandais de Kilburn High Road, on nous a demandé de partager une minute de silence.

Ironiquement, quelque chose de similaire s’est produit lors de la première de la pièce en 2013, quelques mois seulement après la mort de Mme Thatcher. L’attention satirique s’est alors portée sur l’ancien Premier ministre; et beaucoup pensaient que la pièce était de mauvais goût – et Lady Thatcher n’a pas non plus offert la consolation d’une minute de silence.

Heureusement, cette fois, cela s’avère être rien de moins qu’une joie inattendue et émouvante de revoir notre reine vivre, dans une pièce qui partage sa prétendue impatience avec un Premier ministre qu’elle aurait qualifié de « cette femme sanglante ».

La phrase peut être un vœu pieux de la part de Buffini. Nous ne connaîtrons pas les pensées exactes de la reine à propos de Mme T tant que ses journaux privés ne seront pas ouverts, dans une autre vie.

Même ainsi, Buffini revendique la reine comme un socialiste de Fortnum & Mason : celui qui parle avec respect des mineurs en grève, tandis que Maggie les anathématise comme les « ennemis de l’intérieur ».

Buffini fait grand cas de la foi de Mme Thatcher dans l’individualisme du marché libre et l’oppose à la foi chrétienne de la reine dans «l’interdépendance et non le nationalisme» et «le Commonwealth et non l’Empire» – citant Elizabeth dans un discours de Noël.

La production de Rubasingham veille également à ce que la médecine satirique anti-Thatcher soit fortement enrobée de sucre par des imitations de Dead Ringer.

Mais, aussi parfaits que soient les acteurs, le format des audiences successives de la pièce devient prévisible – même avec des personnages supplémentaires tels que Ronald Reagan, Rupert Murdoch, Enoch Powell et Arthur Scargill.

Maggie et la reine sont jouées simultanément par des versions plus âgées et plus jeunes d’elles-mêmes, qui s’interrompent librement dans leurs pensées. Tous les quatre sont astucieusement vêtus de nuances subtiles de rouge, de blanc et de bleu, et la seule chose qu’ils ont en commun est un sac à main en cuir verni sur un bras.

Naomi Frederick s’amuse à envoyer une Maggie plus jeune, qui fait l’éloge de la démocratie et s’insurge contre le socialisme (un mot qu’elle retient pratiquement). L’aînée Iron Lady de Kate Fahy se met à grogner à propos de « mouille » et à vanter les valeurs victoriennes. Les deux versions de l’ancienne baronne sont dérangées avec satisfaction.

Heureusement, les deux versions de la défunte reine dégagent le bon sens et la chaleur humaine qui nous manquent à tous.

Abigail Cruttenden est un délice particulier en tant que jeune fille «Liz», qui aime les commérages et est perplexe devant le venin de Mme T.

Marion Bailey en tant que «Q» plus âgée et plus sage est attristée que ses espoirs de réconciliation nationale puissent s’éloigner. Apportez un mouchoir.

Une Ménagerie moderne mais émouvante

La Ménagerie de verre (Royal Exchange Theatre, Manchester)

Verdict : Ménagerie magique

Évaluation: ****

Un couple de personnes âgées est sorti moins de dix minutes après le début de cette métamorphose radicale de la pièce la plus triste et la plus autobiographique de Tennessee Williams à propos de sa sœur handicapée et de sa mère anxieuse.

Mais si vous pouvez accorder le bénéfice du doute à la production d’Atri Banerjee avec Geraldine Somerville, cela récompensera généreusement votre foi. Il a fait le mien.

Le set de Rosana Vize est la première chose à rechigner. Il n’y a rien de l’encombrement habituel de la période trouble. Au lieu de cela, nous avons un sol institutionnel blanc brillant avec la sensation d’une salle de jour psychiatrique.

Un énorme faisceau s’abat au-dessus de la tête avec « PARADISE » écrit en majuscules au néon – une idée tirée d’une œuvre d’art de Martin Creed, dans laquelle un faisceau oscillant similaire portant le mot « MOTHERS » menace de percuter le spectateur.

La mère (Somerville) n’est pas non plus la psychopathe domestique habituelle. Vêtue d’un chemisier et d’une jupe rose grisâtre, elle a un look fantomatique et hante la scène en tant que femme célibataire, désespérée de sauver ses enfants de la vie de regrets qui l’a affligée.

Apportez un mouchoir… la reine est de retour pour un ding-dong avec Maggie : PATRICK MARMION commente

Si vous pouvez accorder le bénéfice du doute à la production d’Atri Banerjee avec Geraldine Somerville, cela récompensera généreusement votre foi.

Rhiannon Clements dans le rôle de sa fille, Laura, est également blessée plutôt que dérangée; et s’est retirée dans un silo privé d’espoir fragile, symbolisé par ses bibelots titulaires.

Joshua James, en tant que son frère Tom, est accablé par la culpabilité et le besoin d’échapper à sa famille – mais il fait également preuve d’un grand amour et de tendresse. Tout cela fait monter les enchères pour Eloka Ivo en tant que gentleman qui pourrait sauver Laura.

Il est, bien sûr, inconcevable qu’un homme noir ait pu être un tel prétendant dans les États du Sud ségrégués de 1944, mais la performance blokeish, boyish et gentiment galante d’Ivo sauve la pièce de cette camisole de force historique.

La musique de Giles Thomas n’est pas moins obsédante – parfois un long ton unique, à d’autres un murmure de violoncelle. Mais il y a aussi l’anachronisme saccadé de One Moment In Time de Whitney Houston dans un fantasme culminant d’évasion.

Cela met fortement à jour la pièce mais, à mon avis du moins, l’empêche de prendre la poussière en tant qu’antiquité confortable.

Certains peuvent considérer cela comme du vandalisme. J’aurais pu en être un, mais je ne l’étais pas. Je suis parti très ému.

Qui a tué mon père (Young Vic, Londres)

Verdict : performances colossales

Évaluation: ****

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telle est la puissance de l’extraordinaire performance de Hans Kesting que je considère comme l’un des virages les plus envoûtants que j’aie jamais vus sur scène

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À la fin, Who Killed My Father se transforme en un appel maladroit à la révolution – mais la performance de Kesting est tout simplement colossale

Dans Who Killed My Father, qui se termine au Young Vic demain soir après une brève course, c’est comme si l’énorme sculpture en pierre de Rodin du Penseur s’était balancée sur ses pieds et avait commencé à marmonner avec un accent hollandais. La puissance de l’extraordinaire performance de Hans Kesting est telle que je considère qu’il s’agit de l’un des virages les plus envoûtants que j’aie jamais vus sur scène.

Adaptée et mise en scène par le réalisateur d’avant-garde Ivo van Hove, la pièce – sur un homme rendant visite à son père mourant et ouvrier dans un marigot industriel du nord de la France – est basée sur un livre semi-autobiographique d’Edouard Louis.

Kesting joue à la fois le fils gay et le père autodestructeur, et aussi sombre que soit l’histoire, sa présence brute sur scène m’a époustouflé. C’est un homme des cavernes au crâne rasé, vêtu d’un énorme pull bleu en maille torsadée, d’un jean baggy et d’une paire de baskets bon marché, qui s’effondre sous sa superstructure en adamantin.

À la fin, Who Killed My Father se réduit à un appel maladroit à la révolution – mais la performance de Kesting est tout simplement colossale.

L’ode de Sayers au pouvoir des filles n’est pas une simple Wimsey

Love All (Jermyn Street Theatre, Londres)

Verdict : les filles au top

Évaluation: ****

Mieux connue en tant que reine du crime et pour sa création de Lord Peter Wimsey, Dorothy L. Sayers était également une dramaturge talentueuse.

Love All, invisible (jusqu’à présent) depuis sa création en 1940, n’est pas un chef-d’œuvre perdu, mais c’est un petit cierge magique négligé, clouant les perspectives de carrière injustes et inégales des hommes et des femmes et célébrant avec esprit le pouvoir des filles, des décennies en avance sur son temps .

Lorsque le romancier romantique d’âge moyen Godfrey Daybrook a persuadé Lydia, une actrice et sa maîtresse, de s’enfuir à Venise, elle s’attendait à ce qu’il divorce de sa femme et lui mette une bague au doigt.

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Love All, invisible (jusqu’à présent) depuis sa création en 1940, n’est pas un chef-d’œuvre perdu, mais c’est un petit cierge magique négligé

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Des performances parfaites d’époque donnent à la production du chant du cygne de Tom Littler une tranche et un mordant formidables

Environ 18 mois plus tard, Lydia, délicieusement gâtée, coquine et trop privilégiée d’Emily Barber, est toujours célibataire – et étouffe joliment dans un appartement sur un canal vénitien puant, déplorant la perte de sa réputation, de son travail et de son apparence. En fait, elle s’ennuie à jouer la muse du Godfrey vain, condescendant et complaisant d’Alan Cox, le seul rôle auquel une femme pourrait et devrait aspirer, à son avis. Tout comme il pense que le travail de sa femme est d’élever le fils qu’il a abandonné.

Certaines des lignes ont le claquement épigrammatique, le craquement et la pop de Noel Coward ou d’Oscar Wilde. « On ne sait jamais ce qui se passe à l’intérieur d’une secrétaire. Ils ont des visages vides de sens, comme des œufs », explique Lydia. «Chaque grand homme a eu une femme derrière lui – et chaque grande femme a eu un homme devant elle, qui l’a fait trébucher», déclare Edith (Leah Whitaker), la femme de Godfrey.

Les deux sont parfaitement illustrés par l’intrigue, dans laquelle les femmes très sous-estimées de la vie de Godfrey – sa femme devenue dramaturge, sa secrétaire super pointue et son amant – perforent d’abord sa pompe, puis font tourner des anneaux autour de lui, le rendant finalement hors de propos. .

Des performances parfaites d’époque donnent à la production de chant du cygne de Tom Littler une tranche et un mordant formidables. Il est parti diriger l’Orange Tree à Richmond, quittant le plus petit théâtre du West End de Londres – et de grandes chaussures à remplir.

GEORGINE MARRON

dailymail Uk

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