Aspects de l’amour (Lyriuc Theatre, Shaftesbury Avenue)
Verdict : De grands moments, de longues demi-heures
Comme le temps passe. Il y a trente-quatre ans, Michael Ball, un coltish de 26 ans, était le jeune amant anglais fumant dans la comédie musicale d’Andrew Lloyd Webber sur un pentagone amoureux entre artistes sybaritiques dans la France d’après-guerre.
Maintenant, à l’âge tendre de 60 ans, le plus gentil des gars du showbiz joue George – un riche et vieux morse d’amour (avec un téléscripteur douteux) dans la renaissance de la même émission par Jonathan Kent.
Son personnage déplore des bajoues tombantes et un ventre qui a besoin d’un contrefort.
La vérité est, cependant, que les années ont été plus douces pour Ball qu’elles ne l’ont été pour Aspects.
C’est un spectacle qui est aux prises avec une crise de la quarantaine qui lui est propre.
Michael Ball et Laura Pitt-Pullford dans Aspects of Love d’Andrew Lloyd Webber
Pour commencer, l’intrigue : les sauts de lit et les berceaux de l’histoire pourraient faire grimacer même Alan Clark, Lothario de la légende.
Au départ, le jeune Anglais de 18 ans, Alex (Jamie Bogyo), marque avec l’actrice française Rose (Laura Pitt-Pulford), de sept ans son aînée.
Beaucoup plus inconfortable, après l’entracte, c’est quand un Alex grisonnant (toujours joué par Bogyo, après un rapide tour de coiffure et de maquillage) tourne les yeux vers la fille de 18 ans de Rose, Jenny (Anna Unwin).
Ce n’est pas une relation à propos de laquelle nous, le public, nous sentons trop bien disposés.
Le cinquième point de cet enchevêtrement amoureux en forme d’étoile est le sculpteur italien sexuellement omnivore de Danielle De Niese, qui joue avec les hommes et (momentanément) avec Rose également.
Les affaires de cœur sont ponctuées de mélodrames comiques, dont l’évanouissement de Rose à Venise.
Et la fin non concluante est à la fois anti-climactique et nulle. Et pourtant, le spectacle palpite avec certains des meilleurs airs du Baron Lloyd-Webber.
L’innocence rougissante de Seeing Is Believing, l’enchantement de Chanson d’enfance et le grand show-stop étourdissant Love Changes Everything.
Entre les deux, nous sommes abandonnés au marasme musical, avec certains des maillons les plus faibles de Lloyd Webber, qui nous taquinent avec le murmure d’une reprise.
Dans ce qui semble être une tentative maudite d’imiter le bavardage chanté de Stephen Sondheim, les paroles de Don Black et Charles Hart sont trop souvent trop turgescentes.
En une seule ligne, l’inchantable se mêle à l’indicible : « George avait l’habitude de dire qu’on peut avoir plus d’une émotion à la fois.
Et pourtant, à Ball, ils ont une opération de sauvetage par un seul homme. Sa grande présence sur scène de six gigawatts, poilue et légèrement campée, réchauffe le public comme une lampe solaire – tandis que sa voix mielleuse nous propulse vers des climats plus ensoleillés.
Et dans ses moments les plus réfléchis, il est tendre, guirlandant sa performance avec les notes de grâce d’un regard espiègle, d’un sourire contrit et d’un œil humidifié.
Pitt-Pulford, en tant que sa muse ardente et nécessiteuse, a une voix comme de la limonade maison, qui éclate en champagne millésimé ici et là – fortifié avec du cognac plus tard dans la vie.
Bogyo est un Alex déchiré et viril, tourmenté par la conscience, qui est finalement sauvé par De Niese. Et Anna Unwin insuffle de la verve à la jeunesse vulnérable de Jenny.
Hélas, cependant, trop dépend du paysage époustouflant et toujours changeant de John Macfarlane: nous emmenant d’un bar parisien, via un wagon de chemin de fer, à une terrasse ensoleillée en Provence – au-delà de laquelle se trouvent des montagnes peintes dans le style de Cézanne. Et n’oublions pas les vues sur le Grand Canal de Venise.
Beaucoup d’amour a été versé dans cet aspect par toutes les personnes impliquées, et heureusement, ses moments les plus doux en valent la peine.
La carte (New Vic Theatre, Newcastle-under-Lyme)
Verdict : là où il y a de la boue, il y a du laiton
Adapté du roman édouardien d’Arnold Bennett, The Card est une câpre d’époque qui se déroule dans la ville fictive de Bursley, dans le Staffordshire.
Il s’agit de la bonne fortune sans fin d’un effronté-chappie Norman Wisdom-ish qui gravit les échelons de commis de bureau pour devenir le maire bien-aimé de la ville.
Après s’être fait virer pour avoir truqué une invitation à un bal chic, l’irrépressible Edward Henry (nommé « Denry » par sa maman, pour gagner du temps), se diversifie rapidement dans les services financiers.
Il s’installe d’abord comme prêteur sur salaire, devient un magnat de l’immobilier de bas niveau, se tourne vers le tourisme, survit à une bulle de crédit et scelle son héritage en renflouant le club de football local.
Joué comme un clown insouciant par Gareth Cassidy au visage en caoutchouc, la bonne fortune amusante de Denry est assurée par des interventions improbables d’une succession de femmes riches et statutaires, y compris la comtesse locale (Molly Roberts).
Mais c’est aussi un bon garçon qui prend soin de s’occuper de sa maman à la barbe épaisse (Howard Chadwick) et de la délivrer d’un cottage qui fuit.
L’adaptation de Deborah McAndrew est une comédie avec une touche si légère qu’elle est parfois presque imperceptible, et la production de Conrad Nelson pourrait avancer plus vite.
Pourtant, c’est avant tout un fil communautaire chaleureux, orné de répliques telles que « Ouf, la danse vous rend chaud, n’est-ce pas ? .
La plus grande caractéristique du spectacle, cependant, est sa fanfare malheureusement nommée, «Acceler8».
Façonnés et dimensionnés comme leurs trompettes, trombones et tubas, les musiciens gonflent l’air d’une chaleureuse nostalgie.
Enfilant des casquettes, des chapeaux de paille et des visières pour s’adapter à l’emplacement, ils nous offrent des airs allant du thème de Blue Peter et de la machine à écrire de Leroy Anderson, à une interprétation très confortable du côté du foyer de No Place Like Home.
La comédie des erreurs (Shakespeare’s Globe)
Verdict : Twin Peaks
La première – et la plus courte – comédie de Shakespeare peut, entre de mauvaises mains, parfois donner l’impression d’être mal nommée. Mais la nouvelle production de Sean Holmes est plus que digne de son titre.
La pièce commence sombrement avec Egeon (le commandant Paul Rider), un marchand de Syracuse, menacé de mort car incapable de payer une amende.
Implorant grâce, il raconte sa triste histoire au duc (Philip Cumbus).
Il y a de nombreuses années, Egeon a été séparé de sa femme dans un naufrage ; leurs bébés jumeaux et serviteurs jumeaux ont également été séparés, chaque parent s’enfuyant avec un fils.
Egeon est maintenant à la recherche d’Antipholus (Michael Elcock), qui a quitté Syracuse sept ans plus tôt pour retrouver son frère et sa mère disparus.
Jordan Metcalfe dans le rôle de Dromio de Syracuse dans La comédie des erreurs
À l’insu d’Egeon, ce fils et son serviteur, Dromio, sont arrivés à Éphèse et sont confondus avec leurs jumeaux, qui s’appellent également Antipholus et Dromio.
La famille sera-t-elle réunie ? Bien sûr, ce sera le cas – mais pas avant que nous ayons eu des doubles prises, beaucoup de doubles sens – et des doublets et des tuyaux mur à mur, dans cette production de costumes traditionnels.
Les quatre pistes sont captivantes : M. Elcock devient de plus en plus exaspéré lorsque des personnes jusqu’alors inconnues de lui l’abordent ; Matthew Broome est formidable en tant qu’Antipholus plein de lui-même d’Ephèse; tandis que Jordan Metcalfe et George Fouracres volent la vedette en tant que deux Dromios.
Un grand soutien est apporté par Laura Hanna en tant qu’Adriana, qui est mariée à Antipholus d’Ephèse (oh, continuez!) Et est très attirée par son jumeau plus gentil.
Claire Benedict en tant qu’abbesse compatissante et Phoebe Naughton en tant que courtisane lésée sont également formidables.
Les thèmes de la pièce – jumeaux, identité erronée et séparation – ressortent clairement, alors même que M. Holmes mine tous ses rires. Mais ce qui est essentiellement un effort d’une blague ne se sent jamais répétitif, et le moment où les deux Dromios sont réunis à la fin est profondément poignant.
Le seul faux pas est la longue scène de combat slapstick avec poursuite sur scène, qui donne l’impression qu’elle vient tout à fait d’une autre production.
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